Daphnis

Daphnis

3D obrázek

Daphnis, římská replika skupiny z konce 2. století př. N. L., Itálie, mramor. Vyrobeno z ReCap a ReMake od AutoDesk.

Socha byla původně součástí skupiny: bůh Pan, usazený proti mladému ovčákovi Daphnisovi, ho učí hrát na Panovu flétnu. Toto stvoření bylo přičítáno Heliodorovi z Rhodosu. Hlava je moderní.

Pro více aktualizací sledujte @GeoffreyMarchal na Twitteru.

Podpořte našeNezisková organizace

Náš web je nezisková organizace. Za pouhých 5 $ měsíčně se můžete stát členem a podporovat naši misi zapojit lidi s kulturním dědictvím a zlepšit vzdělávání v historii na celém světě.


Daphnis - historie

vzkvétal ve 3. století n. l

Řecký spisovatel, autor Daphnis a Chloe, první pastorační prózy (viz pastorální literatura) a jedné z nejpopulárnějších erotických románků.

Příběh se týká Daphnisa a Chloe, dvou nalezenců vychovaných pastýři na Lesbu, kteří se postupně zamilují a nakonec se vezmou. Autor se však méně zajímá o komplikace spiknutí než o popis způsobu, jakým se láska vyvíjela mezi jeho hrdinou a hrdinkou, od jejich prvních naivních a zmatených pocitů dětství až po plnou sexuální dospělost. Longusova pronikavá psychologická analýza silně kontrastuje s nešikovnou charakteristikou jiných řeckých románků. Jeho stylizované popisy zahrad a krajiny a střídání ročních období ukazují pozoruhodný cit pro přírodu. Obecný tón jeho romantiky je diktován kvalitou předepsanou starověkými kritiky pro bukolický žánr glykytes, „sladkostí“ pastoračního života.


Marc Chagall

(b Vitebsk [nyní Viciebsk], Bělorusko , 7. července 1887 d Saint-Paul-de-Vence, Alpes-Maritimes, 28. března 1985).

Francouzský malíř, kreslíř, grafik, designér, sochař, keramik a spisovatel běloruského původu. Plodný umělec Chagall vynikal v evropské tradici námětové malby a vyznamenal se jako expresivní kolorista. Jeho práce je známá důsledným používáním folklorních obrazů a sladkostí barev a vyznačuje se stylem, který, i když byl vyvinut v letech před první světovou válkou, prošel během své dlouhé kariéry malým pokrokem. Ačkoli dával přednost tomu, aby byl známý jako běloruský umělec, po svém exilu ze Sovětského svazu v roce 1923 byl uznán jako hlavní postava Ecole de Paris, zejména v pozdějších 20. a 30. letech 20. století. V posledních letech byl považován za předního umělce v vitrážích.


Maurice Ravel se narodil jako Joseph-Maurice Ravel 7. března 1875 v Ciboure ve Francii baskické matce a švýcarskému otci. V roce 1889, ve věku 14 let, Ravel začal navštěvovat kurzy na Paris Conservatoire, prestižní hudební a taneční škole v hlavním městě Francie, kde studoval pod vedením Gabriela Faura é.

Ravel pokračoval ve studiu na konzervatoři až do svých raných 20. let, během nichž složil některá ze svých nejznámějších děl, včetně Pavane pour une infante d ຟunte (Pavane pro mrtvou princeznu 1899) Jeux d & aposeau (1901), také známý jako „fontány“ nebo „hraní vody“, kus, který Ravel věnoval Faurovi Smyčcový kvartet (1903), který se hraje na F dur a sleduje čtyři věty Sonatine (kolem roku 1904), pro sólový klavír the Miroiry (1905) a Gaspard de la nuit (1908).


Suita č. 2 od Daphis et Chloe

"V letech 1909–1910 muselo být ve vzduchu Evropy něco magického," prohlásil Martin Bookspan ve svých televizních poznámkách z 31. prosince 1998. Poznamenal, že Richard Strauss pracoval na Der Rosenkavalier, Igor Stravinskij pracoval na Firebird„Schoenberg„ otřásl establishmentem “s Five Pieces for Orchestra, Puccini dokončil úpravy Dívka zlatého západua v hlavě Jeana Sibelia vířily záhadné zvuky, které se staly jeho Čtvrtou symfonií. Hudební kreativita byla živá a zdravá na všech frontách.

V roce 1909 se ruský balet dostal do Paříže a ohromil francouzské publikum svými vzrušujícími a barevnými balety. V roce 1910 Sergej Diaghilev, podnikavý impresario, požádal Ravela, tehdy nadcházejícího talentu, aby napsal balet o řecké legendě o Daphnisovi a Chloe. V roce 1912 dokončil Ravel jednu z nejkrásnějších partitur, jaké kdy byly napsány pro tanec, který nazval Choreografická symfonie.

Milostný příběh Daphnisa a Chloe byl klasický, pocházející ze čtvrtého nebo pátého století našeho letopočtu. V roce 1559 se objevil francouzský překlad od Amyota a v roce 1657 anglická verze George Thornleyho s názvem „Nejsladší a nejpříjemnější pastorální romance pro mladé dámy. “Se stal velmi populárním.

Skladatel se však pro svůj přístup neobrátil ke klasickému Řecku a vysvětlil: „Mým záměrem při psaní bylo zkomponovat rozsáhlou hudební fresku, ve které jsem se méně staral o archaicismus než o věrnost Řecku mých snů, což je to, co Francouzští umělci na konci osmnáctého století si představovali a malovali. Dílo je konstruováno symfonicky, podle přísného plánu klíčových sekvencí, z malého počtu témat, jejichž vývoj zajišťuje homogenitu hudby. “ Tento příběh byl založen na Fokinově adaptaci bajky o Longusovi a věnované Sergei Diaghilevovi.

Když Ravel zahájil svůj úkol, usadil se ve Valvins, ve venkovském sídle svých dobrých přátel, Godebských. Na projekt se natolik soustředil, že si ani nevšiml, když dům zaplavila voda a podlaha se prolomila! Projekt vyžadoval tři roky. Dokončení Bacchanale k jeho spokojenosti trvalo rok. Igor Stravinskij potvrdil, že čas byl dobře strávený: „Není to jen Ravelovo nejlepší dílo, ale jeden z nejkrásnějších produktů celé francouzské hudby.“

Daphnis a Chloe je zasazen do tří tabulí.

1. Balet se otevírá na Mitylene na ostrově Lesbos. Průvod chlapců a dívek vstupuje na louku na okraji posvátného háje, kterému dominuje obrovská skála v podobě Pan. Hudba je jemná a mlhavá, protože nabízí ovocné a květinové pocty nymfám vytesaným ve skále. Hudba se brzy organizuje do slavnostního tance. Objeví se Daphnis a Chloe. Akce se zintenzivňuje, když je Daphnis vyzván kozlíkem (Dorcon) do taneční „soutěže“ pro Chloe. Dorconova hudba je divoká a energická, Daphnisova je jemná a půvabná a získává její náklonnost. Chloe krátce opouští scénu a další mladá smyslná žena se snaží získat Daphnisovu náklonnost svůdným tancem, ale ten se brání. Najednou Daphnis slyší děsivé zprávy - došlo k invazi pirátů a Chloe byla zajata.

2. Tato část je umístěna v Pirates Campu. Na pódium víří válečný tanec a Chloe je přivedena a přikázána tancovat. Právě když ji hlavní pirát popadne, na vrchol hory se objeví silueta Panova stínu a piráti utečou.

3. Tato část nás vrací na mýtinu v lese. Daphnis leží před jeskyní nymf a truchlí nad svou ztrátou Chloe, když se rozednívá. Ptáci zpívají a zvuk tekoucí vody je slyšet, když světlo jemně vstupuje a roste do světelného úsvitu. Naštěstí se Daphnis dozví, že Pan Chloe zachránil kvůli Božím osobním vzpomínkám na jeho vlastní lásku k nymfě Syrinx. Po Chloeině návratu Daphnis a Chloe předvádějí tanec představující tuto lásku. Potom si padnou do náruče a všichni se spojí ve zběsile, radostné a velkolepé Bacchanale.

Veřejná reakce na balet byla skvělá, stejně jako Diaghilevova reakce na hudbu a balet se otevřel a zavřel ve dvou představeních. Kritik Gaston Carraud považoval inscenaci za „žalostný zmatek“. Pierre Lalo shledal Bakstovo pojetí Řecka nesrozumitelným a Fokinova choreografie „chudá“ a hudba „postrádající rytmus“. Ravel vysvětlil konečný úspěch hudby:

"Při prvním uvedení nové hudební skladby je první dojem veřejnosti obecně reakcí na povrchnější prvky její hudby ... až po letech, kdy výrazové prostředky konečně odevzdaly všechna svá tajemství, posluchači se zjeví skutečná vnitřní emoce hudby. “

Daphnis et Chloé byl často považován za nejlepší balet, jaký kdy Francie vyrobila. v Vzpomínky baletního mistra, Michail Fokine napsal: „Miloval jsem partituru od prvního poslechu.“ Pro mnohé z nás je to velmi pravděpodobně také naše počáteční a konečná reakce.

Z baletu byly extrahovány dva uity, které se v koncertním sále trvale setkávaly s úspěchem. Druhá suita se skládá ze tří vět hraných bez pauzy: Páka du Jour (Svítání) Pantomima (s krásným sólem na flétnu odkazujícím na Syrinxe, který byl přeměněn na rákosovou píšťalu) a Danse Generale.


*CR použijte pouze na pozici 4, pokud nemůžete získat dostatek substatů Crit Rate. Mějte na paměti, že toto jsou jen obecná doporučení, budete muset změnit své runy a statistiky podle toho, pro jaký obsah chcete toto monstrum použít a s jakým týmem ho používáte.

GB12 (0/10): Má základní nevýhodu v Giants B12 a není doporučován, protože zde jsou lepší dealeři poškození.

DB12 (10/10): Je to úžasný dealer poškození pro Dragons B12 a může zbavit jeho imunitu!

NB12 (2/10): Chybí dostatek více zásahů na prolomení štítu Necro B12.

SF10 (8/10): Je užitečný v Steel Fortress B10 jako velký dealer poškození a pás.

PC10 (8/10): Je zde skvělý, protože jednou ze strategií je jaderná zbraň Punisher Crypt B10 co nejrychleji. Čím déle boj trvá, tím horší je vaše přežití.

ToA (3/10): Zde může být použit v některých specializovaných fázích.

Rift of Worlds (8/10): Je vynikajícím dealerem poškození pro zvíře Wind and Light Rift a může být použit jako dealer poškození v R5.

Labyrint (3/10): Zde může být použit pro některé specializované fáze.

Dimenzionální díra (7/10): Je skvělý pro fázi elementárního omezení.

Arena (9/10): Je to vynikající monstrum díky své vůdcovské schopnosti, stripu a velkému poškození. Může být použit na útok i na obranu jako lushenský pult.

Guild Wars (9/10): Je zde skvělý dealer poškození. Opět ho lze použít na útok i obranu.

RTA (10/10): V RTA opravdu zazáří díky svým schopnostem zvládnout jedno výstřelné monstrum, pokud ho postavíte s dostatečným poškozením.


Daphnis

Od svého založení v roce 1972 Daphnis byl koncipován jako platforma pro publikaci výzkumu německé literatury a kultury raného novověku (14.-18. století). Od té doby se vyvinul tak, aby převzal interdisciplinární a interkulturní perspektivy. Dnes je považován za vynikající mezinárodní vědecké fórum pro výzkum raného novověku. Ze srovnávacího hlediska zkoumá vztah mezi německou literaturou a kulturní historií a kulturou jiných evropských (i mimoevropských) zemí v daném období a také jevy, jako je kulturní přenos. Řeší problémy týkající se raného nového vysokého německého jazyka a novolatinské literatury, jakož i nových oblastí výzkumu, jako je intermedialita, výkonnostní teorie nebo genderová studia. V rámci svých čtyř čísel ročně Daphnis nabízí možnost tematických svazků. Díky dvojitě slepým postupům vzájemného hodnocení Daphnis je platforma, která vítá dosud nezveřejněné příspěvky (v němčině nebo angličtině) pod nadpisy: Články z výzkumu, Různé příspěvky, Bibliografie a Recenze knih.

Die Zeitschrift Daphnis ist seit 1972 as Organ zur Erforschung der deutschen Literatur (en) und Kultur (en) der Frühen Neuzeit (14.-18.Jh) konzipiert worden. Podívejte se na všechny možnosti, které jsou k dispozici v různých mezipřistáních a interkulturních perspektivách. Hodně zlacení patří také k mezinárodním anexiím fóra pro Frühneuzeitforschung. Sie berücksichtigt unter komparatistischem Aspekt die Beziehungen der deutschen Literatur und Kultur zu den europäischen (auch außereuropäischen) Kulturen dieses Zeitraums und Phänomene des Kulturtransfers. Hinzu kommen aktuelle Fragestellungen der frühneuhochdeutschen Sprache, der neulateinischen Literatur wie auch neuere Forschungsfelder der Intermedialität, Performanz, Gender Studies u.a. Nyní jsme vděční za to, že jsme vdechli mnoho lidí, kteří se narodili jako Gastherausgebern verantwortet. Im Daphnis werden noch unveröffentlichte Beiträge (in deutscher und englischer Sprache) zu den Rubriken „Abhandlungen“, „Miszellen“, „Berichte“, „Bibliographien“ im Peer-Review-Verfahren aufgenommen. Darüber hinaus erscheinen Rezensionen zu aktuellen Publikationen der Epoche.

NYNÍ K DISPOZICI - Online podání: Články k publikaci v Daphnis lze podat online prostřednictvím Redakční manažer, prosím klikněte zde.


Maurice Ravela

Naši redaktoři zkontrolují, co jste odeslali, a určí, zda článek zrevidují.

Maurice Ravela, plně Joseph-Maurice Ravel, (narozen 7. března 1875, Ciboure, Francie-zemřel 28. prosince 1937, Paříž), francouzský skladatel švýcarsko-baskického původu, známý svou hudební řemeslnou dovedností a dokonalostí formy a stylu v takových dílech, jako je Bolero (1928), Pavane pour une infante défunte (1899 Pavane pro mrtvou princeznu), Rapsodie espagnole (1907), balet Daphnis et Chloé (poprvé provedeno 1912) a opera L'Enfant et les sortilèges (1925 Dítě a kouzla).

Ravel se narodil ve vesnici poblíž Saint-Jean-de-Luz ve Francii švýcarského otce a baskické matky. Jeho rodinné zázemí bylo umělecké a kultivované a mladý Maurice dostal od svého otce veškeré povzbuzení, když se jeho hudební talent projevil již v raném věku. V roce 1889, ve 14 letech, vstoupil na pařížskou konzervatoř, kde zůstal až do roku 1905. Během tohoto období složil některá ze svých nejznámějších děl, včetně Pavane pro mrtvou princeznu, the Sonatine pro klavír a Smyčcový kvartet. Všechna tato díla, zejména ta dvě, ukazují úžasnou ranou dokonalost stylu a řemeslného zpracování, které jsou charakteristickými znaky celé Ravelovy tvorby. Je jedním ze vzácných skladatelů, jejichž raná díla se zdají sotva méně vyzrálá než díla jeho dospělosti. Jeho neúspěch na konzervatoři po třech pokusech vyhrát prestižní Prix de Rome za kompozici (díla, která předložil, byla ultrakonzervativními členy poroty posouzena jako příliš „pokročilá“) způsobila skandál. Byly zveřejněny rozhořčené protesty a liberálně smýšlející hudebníci a spisovatelé, včetně muzikologa a prozaika Romaina Rollanda, Ravela podporovali. V důsledku toho byl ředitel konzervatoře Théodore Dubois nucen rezignovat a na jeho místo nastoupil skladatel Gabriel Fauré, u kterého Ravel studoval kompozici.

Ravel nebyl v žádném smyslu revoluční hudebník. Byl z větší části spokojen s prací v rámci zavedených formálních a harmonických konvencí své doby, stále pevně zakořeněných v tonalitě - tj. Organizaci hudby kolem ohniskových tónů. Přesto byla jeho adaptace a manipulace s tradičním hudebním idiomem tak velmi osobní a individuální, že by bylo pravda říci, že si pro sebe vytvořil vlastní jazyk, který nese nezaměnitelné razítko jeho osobnosti jako každé dílo Bacha nebo Chopina. Zatímco jeho melodie jsou téměř vždy modální (tj. Nejsou založeny na konvenční západní diatonické stupnici, ale na starých řeckých frýgických a dorianských režimech), jeho harmonie odvozují svou často poněkud kyselou příchuť z jeho záliby v „přidaných“ notách a nevyřešených appoggiaturas, popř. noty cizí pro akord, které mohou zůstat harmonicky nevyřešené. Literaturu klavíru obohatil řadou mistrovských děl, sahajících od raného období Jeux d’eau (dokončeno 1901) a Miroiry z roku 1905 na impozantní Gaspard de la nuit (1908), Le Tombeau de Couperin (1917) a dva klavírní koncerty (1931). Z jeho čistě orchestrálních děl Rapsodie espagnole a Bolero jsou nejznámější a odhalují jeho dokonalé mistrovství v instrumentaci. Ale možná vrcholem jeho kariéry byla spolupráce s ruským impresárem Serge Diaghilevem, pro jehož Ballets Russes složil mistrovské dílo Daphnis et Chloé, a s francouzskou spisovatelkou Colette, která byla libretistkou jeho nejznámější opery, L'Enfant et les sortilèges. Tato poslední práce dala Ravelovi příležitost dělat důmyslné a zábavné věci se zvířaty a neživými předměty, které ožívají v tomto příběhu o kouzlech a magii, do kterého je zapojeno nezbedné dítě. Jeho jediným dalším operním počinem byl jeho skvěle satirický L'Heure espagnole (poprvé provedeno 1911). Jako skladatel Ravel dosáhl velkého vyznamenání svou představivostí Histoires naturelles, Trois poèmes de Stéphane Mallarmé, a Šansonové šílenství.

Ravelův život byl v zásadě bezproblémový. Nikdy se neoženil, a přestože si užíval společnosti několika vybraných přátel, žil životem půlkruhu na svém venkovském útočiště v Montfort-L’Amaury, v lese Rambouillet, nedaleko Paříže. Krátkou dobu sloužil v první světové válce jako řidič kamionu, ale napětí bylo pro jeho křehkou konstituci příliš velké a v roce 1917 byl propuštěn z armády.

V roce 1928 se Ravel vydal na čtyřměsíční turné po Kanadě a Spojených státech a ve stejném roce navštívil Anglii, aby získal čestný titul doktora hudby z Oxfordu. Ten rok také viděl vytvoření Bolero v původní podobě jako balet, v hlavní roli Ida Rubinstein.

Posledních pět let Ravelova života bylo zahaleno afázií, která mu nejen zabránila v napsání další noty, ale také ho připravila o sílu řeči a znemožnila mu dokonce podepsat jeho jméno. Možná skutečnou tragédií jeho stavu bylo, že jeho hudební představivost zůstala stejně aktivní jako kdykoli předtím. Operace na uvolnění obstrukce cévy zásobující mozek byla neúspěšná. Ravel byl pohřben na hřbitově v Levallois, pařížském předměstí, na kterém žil, za přítomnosti Stravinského a dalších významných hudebníků a skladatelů.

Pro Ravela byla hudba jakýmsi rituálem, který měl své vlastní zákony, který měl být veden za vysokými zdmi, uzavřený před vnějším světem a neproniknutelný pro neoprávněné vetřelce. Když jeho ruský současník Igor Stravinskij přirovnával Ravela k „nejdokonalejším švýcarským hodinářům“, ve skutečnosti vychvaloval ty složité a precizní vlastnosti, kterým sám přikládal tak velký význam.


Longus

Naši redaktoři zkontrolují, co jste odeslali, a určí, zda článek zrevidují.

Longus, (vzkvétal inzerát 2./3. století), řecký spisovatel, autor Daphnis a Chloe, první romance pastorační prózy (vidět pastorační literatura) a jeden z nejpopulárnějších erotických románků v západní kultuře po renesanci.

Příběh se týká Daphnisa a Chloe, dvou nalezenců vychovaných pastýři na Lesbu, kteří se postupně zamilují a nakonec se vezmou. Autor se však méně zajímá o komplikace zápletky než o popis způsobu, jakým se láska vyvíjela mezi jeho hrdinou a hrdinkou, od jejich prvních naivních a zmatených pocitů dětství až po plnou sexuální dospělost. Longusova pronikavá psychologická analýza silně kontrastuje s nešikovnou charakteristikou jiných řeckých románků. Jeho stylizované popisy zahrad a krajiny a střídání ročních období ukazují pozoruhodný cit pro přírodu. Obecný tón jeho romantiky je diktován kvalitou předepsanou starověkými kritiky pro bukolický žánr -glykytēs, „oslazení“ pastoračního života. (Viz také Hellenistická romantika.)


Daphnis & amp Chloé: Chagall's Luminous Love Story

Marc Chagall, Sešlapané květiny (asi 1956 - 1961, tištěný 1961), barevná litografie na papírovém papíře, 42 x 31,9 cm. Dar Félixe Quineta, Ottawa, 1986, na památku Josefa a Marguerite Liverantových. Národní galerie Kanady, Ottawa. © Daphnis & amp Chloé, Acc. 29763,37 Mourlot 342. © SODRAC 2015 a ADAGP 2015, Chagall ®. Foto © NGC

Barva je vše. Když je barva správná, forma je správná. Barva je všechno, barva je vibrace jako hudba všechno je vibrace.

- Marc Chagall

Není divu, že Marcovi Chagallovi trvalo čtyři roky, než pro něj vytvořil své litografické ilustrace Daphnis & amp Chloé, kniha z limitované edice z roku 1961 vydaná v Paříži nakladatelstvím Tériade. Pro každou ze 42 ilustrací použil až 25 barev - každá vyžadovala samostatný tisk a mnoho z nich bylo vytvořeno s velkým pokusem a omylem - protože se snažil dosáhnout správného odstínu. Samozřejmě, Chagall byl vrcholně expresivní kolorista a Daphnis & amp Chloé je široce považován za vrcholný úspěch jeho kariéry tiskaře. Tato velkolepá série litografií je nyní k vidění v Národní galerii v Chagall: Daphnis & amp Chloé.

Tato výstava, kterou dříve představila v Galerii umění v Albertě v roce 2013, pořádá Sonia Del Re, docentka tisků a kreseb v Národní galerii, představuje v postupném pořadí kompletní sadu Chagallových barevných litografií. Romantická řecká bajka Daphnis a ChloéLongus, napsaný Longusem, se odehrává ve starověku na ostrově Lesbos, kde musí pastevec a pastýřka uhýbat všemožným nebezpečím - vlkům, soupeřům, podvodníkům, pirátům, válečníkům, únoscům a sněhovým bouřím - na cestě k lásce a manželství. Je to „příběh lidské lásky ve všech jejích radostech a strastech“, jak napsal Longus. Dramatický a smyslný příběh inspiroval mnoho uměleckých děl, jedním z nejpamátnějších je baletní skóre Maurice Ravela z roku 1912.

Chagallovy ilustrace jsou zářivé a zářivé, oslněné oslnivou středomořskou barvou a světlem a vyjadřují nevinnost i vášeň první lásky. Postavy se vznášejí v pastoračních scénách plných květin, zvířat a mytologických postav na pozadí luk, hor a moří v dokonalé harmonii s přírodou.

Opakující se barevná témata fungují jako symbolické leitmotivy příběhu, jak se odvíjí: jemná smaragdová zeleň pro idylické námluvy na pastvinách a sadech lesboské horké červené, pomeranče a žluté pro lesklé scény bohaté půlnoční blues pro noc a střety barev, s hnědé a červené, pro násilné bitvy.

Marc Chagall, Lamonův a Dryasův sen (asi 1956–1961, tisk 1961), barevná litografie na papírovém papíře, 41,8 x 31,9 cm. Dar Félixe Quineta, Ottawa, 1986, na památku Josefa a Marguerite Liverantových. Národní galerie Kanady, Ottawa. © Daphnis & amp Chloé, Acc. 29763,5 Mourlot 311 . © SODRAC 2015 a ADAGP 2015, Chagall ® . Foto © NGC

Ptačí honička, ve kterém se Daphnis plazí hlubokým sněhem do Chloého domu, je zázrakem pro její spojení touhy se zimními tóny. Na povrchu téměř zcela pokrytém chladnými modrými, černými a šedými barvami dokáže Chagall zprostředkovat hřejivou romantiku s průhlednými kalužemi fialové a zelené, hejnem čistě bílých ptáků a křivkou Daphnisova těla. v Chrám a historie Bacchus, oblouky zářivých primárních barev budí dojem bakchanálského veselí.

Chagall se narodil v roce 1887 v ruském Vitebsku v chasidské rodině a studoval umění v Petrohradě u Léona Baksta. V roce 1910 se přestěhoval do Paříže, kde začal malovat obrazy, které vyjadřovaly jeho nostalgickou touhu po ruském vesnickém životě, s dětskými obrazy létajících postav, zvířat a cibulových kopulí. Navzdory obdobím vyhnanství během dvou světových válek - nejprve v sovětském Bělorusku, poté v USA - žil Chagall většinu svého dlouhého života ve Francii, většinou ve Vence a okolí, poblíž pobřeží Středozemního moře.

Myšlenka na ilustraci Daphnis & amp Chloé byl poprvé navržen Chagallovi v roce 1939 vydavatelkou Řeky narozenou Tériade, rodačkou ze samotného Lesbosu, která pravděpodobně cítila vztah k příběhu. Umělec nejprve odmítl, protože nechtěl konkurovat stávající verzi ilustrované Pierrem Bonnardem, kterého velmi obdivoval. Po Bonnardově smrti v roce 1952 Chagall nakonec souhlasil. To léto a znovu v roce 1954 odcestoval do Řecka, aby získal cit pro krajinu a provedl přípravné práce. Poté hovořil o „jasu a živé energii všeho řeckého“.

Během příštích několika let Chagall vytvářel své kresby, dokud nebyl připraven je přeložit do litografií. V úzké spolupráci s hlavním tiskařem Charlesem Sorlierem - z velkého pařížského studia Atelier Mourlot - vyvinul nové blues a greeny. Korespondence umělce ve Vence se Sorlierem v Paříži odhaluje Chagallovu pečlivou pozornost věnovanou detailům a požádal Sorliera, aby přepracoval zelené pozadí na banketové scéně, a stěžoval si, že anděl na červeném pozadí vypadá jako ďábel.

Chagallovy grafické sbírky jsou dnes jedním z největších uměleckých děl v dějinách umění. Díla na této výstavě jsou součástí velkého daru, který Národní galerii poskytl Félix Quinet v roce 1986. Quinet zdědil sbírku Chagallových tisků po svém nevlastním otci Josephu Liverantovi, který byl Chagallovým známým a sběratelem jeho díla. V roce 1985 se Quinet objevil v bývalé galerijní ulici Elgin Street a nabídl dar více než 650 leptů a litografií od Chagalla, obsažený v 16 omezených edicích výtvarných knih, které zahrnovaly Bible, Odysea, Shakespearově Bouře a La Fontaine Bajky. Každá kniha byla ozdobena nápisem a kresbou od umělce.

Quinetův mimořádný dar byl od té doby zdrojem několika populárních výstav. Zůstává jedním z nejštědřejších darů do sbírky tisků a kreseb Národní galerie a učinil z tohoto muzea místo jedné z hlavních severoamerických sbírek tisků od Chagalla.

Chagall: Daphnis & amp Chloé je k vidění v Kanadské národní galerii od 28. května do 13. září 2015.


Historie ruského baletu

Le Dieu Bleu je jednoaktový balet Jean Cocteau a Federigo de Madrazo.   Fokine byl choreograf a hudbu vytvořil Reynaldo Hahn s d écor a kostýmem Leon Bakst.   Le Dieu Bleu měla premiéru 13. května 1912 v Theater du Chatelet v Paříži.

Cocteau napsal scénář pro Ballets Russes ’s Le Dieu Bleu po spolupráci s Diaghilevem od roku 1911 a navrhování plakátů pro Spectre de la Rose pomocí portrétů Nižinského a Karsaviny z roku 1912.   Cocteau a Hahn se inspirovali hinduistickými legendami a Fokine basreliéfy brahmanských chrámů a siamských tanečnic.   Bohužel, Le Dieu Bleu nebyl úspěšný a následující rok byl vyřazen z repertoáru.

Chout (Le Bouffon) - Premiéra 17. května 1921

Vykřič (Le Bouffon) je ruská legenda v šesti scénách.   Hudba od Serge Prokofjeva, choreografie Michel Larionov a Tadeo Slavinsky s d écor a kostýmy také od Larionova. První představení bylo 17. května 1921 v Theatre de la Gaite-Lyrique v Paříži.

Vykřič byl považován spíše za pantomimu než za balet.   Odrazilo to pařížské publikum, protože mezi Prokofjevovou skvělou hudbou a agresivním používáním lidových motivů Larionova v soupravách a konstruktivistických kostýmech nebyla harmonie.

Diaghilev musel tanečníkům před zkouškou na šaty vyhrožovat pokutami, aby je přesvědčil, aby se objevily na jevišti v kostýmech, které byly tak těžké a těžkopádné, že zasahovaly do tanečních pohybů.

Vykřič byla zařazena do repertoáru společnosti naposledy v Paříži, v červnu 1922 v Theater Mogador.   Hlavní roli Buffona, vytvořenou pro Slavinsky, tančila Bronislava Nijinska.

Průvod - premiéra 18. května 1917

Průvod je realistický balet v jedné scéně podle námětu Jeana Cocteaua.   Hudbu vytvořil Erik Satie, choreografii Massine, opona, d écor a kostýmy navrhl Pablo Picasso.   První představení Průvod byl v Theatre du Chatelet v Paříži 18. května 1917.

Cocteau říká, že první návrh Průvod balet byl krátký baletní projekt nazvaný David, něco, co načrtl v roce 1914.   Balet se měl odehrávat před vstupním stánkem putovního veletrhu.   David nebyl nikdy napsán, ale Cocteauův první kontakt se Satie proběhl v roce 1915, jeho spolupráce s Picassem začala následující rok.

Diaghilev se setkal s Picassem na jaře roku 1916, kdy jejich společná přítelkyně, paní. Eugenia Errazuriz ho přivedla do studia Picasso ’s.   Tehdy Diaghilev pověřil Picassa, aby vytvořil mizanscénu pro Průvod.   Jak Picasso, tak Cocteau odešli v únoru 1917 do Říma, kde tančil Diaghilev ’s Ballets Russes.   Tam se setkali a pracovali s Massine.

 Mezi kostýmy, které Picasso navrhl, byl kůň, zpočátku s figurínovým jezdcem.   Během zkoušky šatů jezdec spadl z koně a diváci se smáli, takže byl zbývající výkon odstraněn. &# 160 Kostým pro Americkou dívku, který Picasso nenačrtl, byl ve skutečnosti zakoupen den předtím v obchodě se sportovním zbožím.   Kostým pro ženský akrobat, který Massine přidal na poslední chvíli, byl vyroben z ručně malované spirály navržený Picasso namalovaný přímo na nohy Lydie Lopoukhové a#8217s.

Po tříleté nepřítomnosti se Diaghilev a#8217s Ballets Russes vrátili do Paříže a#8217s Theater du Chatelet s Průvod, průkopník kubistické divadelní podívané.   Satie a Cocteau často nesouhlasili, pokud jde o zvuky, které chtěl Cocteau přidat do skóre Satie ’s.   Ale Cocteau byl ovládán Diaghilevem a byli vynecháni.

Když se spustila opona Průvod„Publikum bylo násilné a rozporuplné.   Uznávalo to mnoho intelektuálů, ale veřejnosti se to nelíbilo.   Bylo to o hodně napřed před svou dobou a nikdy nebylo přidáno do pravidelného repertoáru Ballets Russes.

V roce 1923, kdy chtěl Diaghilev balet obnovit, požádal Picassa, aby opravil oponu, kterou převzala plíseň.   Picasso odmítl říci, že se podobá zhoršeným freskám v Pompejích a měl by tak zůstat!

Přečtěte si "DIAGHILEV And the Ballets Russes " od Borise Kochna, 1970.

Thamar - premiéra 20. května 1912

Balet Thamar, měla premiéru 20. května 1912 v Theatre du Chatelet v Paříži.   Hrálo Tamara Karsavina a Adolph Bolm jako hlavní tanečnice.    Balet je drama, v jedné scéně založené na básni Michaila Lermontova.   Hudbu vytvořil Mily Balakirev s Fokinem jako choreografem.   Leon Bakst dělal d écor i kostýmy.

Samotný balet se odehrával na zámku královny Gruzie, Thamar lákala procházející nápadníky mávnutím šátku z okna.   Akce se točí kolem jednoho konkrétního prince, který vstupuje do hradu a extaticky tančí pro královnu Thamar.

  Královna si jeho divoké pohyby užívá. Připojí se k tanci a jejich rty se setkají ve vášnivém polibku. Pak se vykroutí z jeho sevření a proběhne zelenými dveřmi. Pronásleduje ho.   Balet násilně končí tím, že královna Thamar zavraždí svého hosta a zbaví se jeho těla pasti.   Poté se vrací k oknu a láká na nové oběti máváním šátkem.

Tak jako Thamar was set in Georgia, Leon Bakst drew on authentic Georgian architecture for inspiration in designing the set for Thamar’s castle. Mikhail Fokine, too, used elements of traditional Georgian dance in the choreography.

Le Carnaval- Premiered May 20, 1910

Le Carnaval is a ballet based on the music of Robert Schumann's, Carnaval, for piano. It was orchestrated by Aleksandr Glazunov, Nikolai Rimsky-Korsakov, Anatole Liadov, Alexander Tcherepnin. Carnaval was choreographed by Ballets Russes’ Mikhail Fokine, with the costumes designed by Léon Bakst. Fokine created Carnaval for a benefit given in St. Petersburg, Russia and it premiered on February 20, 1910 in Pavlova Hall. 

Some of the leading dancers of the Imperial Ballet were cast in Carnaval: Tamara Karsavina (Columbine), Leonid Leontiev (Harlequin), Vera Fokina (Charina), Ludmila Schollar (Estrella), Bronislava Nijinska (Papillon), Vsevolod Meyerhold (Pierrot), Vasily Kiselev (Florestan), Aleksandr Shiryaev (Eusebius).

Carnaval did not become world-famous until after it was performed by Diaghilev's Ballets Russes at the Teater des Westens, in Berlin on May 20, 1910. Lydia Lopokova performed as Columbine and Vaslav Nijinsky as Harlequin.

The first performance was held at the Pavlova Hall in St Petersburg on 5 March 1910. The cast was led by Tamara Karsarvina as Columbine and Leonid Leontiev as Harlequin.

L'Apres-Midi d'un Faune - Premiered May 29, 1912

L'Apres-midi d'un faune was choreographed by Vaslav Nijinsky for the Diaghilev Ballets Russes and was first performed in Paris on May 29, 1912, with Nijinsky dancing the role of the Faun. Both the ballet and score to which it was set, Claude Debussy's 'Prelude a l'apres-midi d'un faune', were inspired by the poem of the same title by Stephane Malarme. Design was by Leon Bakst. Choreographic features of the work include a frieze-like archaic design, profiled stance, and alternation of movement and pose. The spare libretto centres on the faun's meeting and flirtation with nymphs, and the piece concludes with a scene of simulated masturbation that scandalized early audiences.

The de Basil Ballets Russes revival of L'Apres-midi d'un faune premiered in London on 2 October 1933, and Australian audiences first saw the work during the 1936-1937 tour by the Monte Carlo Russian Ballet. Its first performance was in Adelaide on 20 October 1936. The review in The Advertiser the following day noted that the work 'struck a new note in ballet', and hailed Leon Woizikowsy as 'magnetis[ing] the audience with his amazing delineation of the part of The Faun'. The ballet was subsequently seen in Sydney and Melbourne. During the second Ballets Russes tour by the Covent Garden Russian Ballet a truncated solo version was performed by David Lichine in a 'principals only' farewell gala in Sydney on 27 April 1939.

Narcisse by Fokine Premiered April 26, 1911

Narcissse is a classical ballet performed in one act.  Narcisse premiered on April 26, 1911 at Casino, Monte Carlo.  Narcisse was a replacement ballet for Daphnis Et Chloe. Diaghilev had invited Ravel to St. Petersburg, to work with Bakst and Fokine on Daphnis Et Chloe.  However, Ravel was late in producing the score, and Fokine could not begin the choreography, so Narcisse was done in its place.

In the photo on the right, is Bronislava Nijinska dancing in Narcisse with Fokine's wife Vera Fokina.

The costumes were designed by Leon Bakst, as was the decor.  Fokine was the choreographer, and the music was by Nicolas Tcherepnine who also composed Le Pavillon d'Armide.

Petrouchka - Premiered June 13, 1911

Petrouchka premiered in Paris at the Chatelet Theatre on 13 June 1911. The work was created for Diaghilev's Ballet Russe and the opening night featured Vaslav Nijinsky as Petrouchka, Tamara Karsarvina as the Ballerina, Alexandre Orlov as the Blackamoor and Enrico Cecchetti as the Showman. It was danced to a score by Igor Stravinsky, its choreography was by Michel Fokine and it was designed by Alexandre Benois. Stravinsky and Benois were responsible for the libretto.

The first performance of Petrouchka in Australia was produced by Louise Lightfoot for the First Australian Ballet. Lightfoot choreographed her version (called Petrouschka on the program) without ever having seen the Fokine original or any other version. It featured Trafford Whitelock as Petrouchka, Moya Beaver as the Ballerina and Mischa Burlakov as the Blackamoor. It was presented on 18 and 20 July 1936 at the Conservatorium of Music, Sydney.

A few months afterwards, on 14 November 1936, the Monte Carlo Russian Ballet, on tour in Australia, opened its production of Petrouchka in Melbourne. Helene Kirsova starred as the Ballerina, Leon Woizikowsky as Petrouchka and Thadee Slavinsky as the Blackamoor. Between 1936 and 1940 the work was performed over 70 times in Australia by three touring Russian Ballet companies, the Monte Carlo Russian Ballet, the Covent Garden Russian Ballet and the Original Ballet Russe.

Chopinianna - Les Sylphides

Chopinianna premiered in 1907 at the Maryinsky Theatre in St. Petersburg as Rêverie Romantique: Ballet sur la musique de Chopin. However, this also formed the basis of a ballet, Chopiniana, which took different forms, even in Fokine's hands. The second version was performed in 1908 at the Maryinsky Theatre, danced by Pavlova, Karsavina, Nijinsky and Preobrajenska.

Chopinianna premiered as Les Sylphides, with Sergei Diaghilev's Ballets Russes on 2 June 1909 at Théâtre du Châtelet, Paris. The Diaghilev premiere is the most famous, as its soloists were Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky (as the poet, dreamer, or young man), Anna Pavlova, and Alexandra Baldina. The London premier, in the first season of the Diaghilev Ballets Russes, was at the Royal Opera House, Covent Garden. With more sylph-like elusiveness, the North American premiere might be dated by an unauthorized version in the Winter Garden, New York, on 14 June 1911, featuring Baldina alone from the Diaghilev cast. However, its authorized premiere on that continent, by Diaghilev Ballets Russes, was at the Century Theater, New York City, 20 January 1916, with Lopokova . Nijinsky danced it with Ballets Russes at the Metropolitan Opera, April 14, 1916.

Les Sylphides has no plot, but instead consists of many white-clad sylphs dancing in the moonlight with the poet nebo young man dressed in white tights and a black top.  New York City Ballet produced its own staging of the standard version, omitting the Polonaise in A major and leaving the Prelude in A major in its original position, under the original title, Chopiniana. The NYCB premiere was staged by Alexandra Danilova and took place 20 January 1972, at the New York State Theater, Lincoln Center. The original cast included Karin von Aroldingen, Susan Hendl, Kay Mazzo, and Peter Martins.

Le Spectre de La Rose

Le Spectre de La Rose was choreographed by Michel Fokine, music by Carl Maria von Weber and designs by Leon Bakst.  Le Spectre de la rose premiered on April 19, 1911 in Monte Carlo by Diaghilev's Ballet Russe. Dancers at the premiere were Vaslav Nijinsky as the Spirit of the Rose and Tamara Karsarvina as the Young Girl.

The ballet tells the story of a young woman who returns from a ball and brings home a rose. She falls asleep in a chair and dreams of dancing with the spirit of the rose until the spirit disappears with a spectacular leap through the window and she awakes.

Australian audiences first saw the Fokine version as part of the very first performance by the Monte Carlo Russian Ballet on its 1936-1937 tour to Australia. It opened on 13 October in Adelaide's Theatre Royal and featured Valentina Blinova and Igor Youskevitch. Přízrak was subsequently performed by the Covent Garden Russian Ballet on its 1938-1939 tour to Australia and by the Original Ballet Russe on the tour of 1939-1940. It was given over 120 performances during the three Ballets Russes tours. 

The Ballets Russes performances of Fokine's Le Spectre de la rose were followed in the 1940s by those of the Borovansky company, initially during their first Australian tour in 1944. In 1947, Kathleen Gorham performed as the Young Girl after her promotion to the rank of junior ballerina with this company. The work entered the repertoire of the Ballet Guild in 1953, featuring Laurel Martyn and Raymond Trickett. Australian audiences also saw Ballet Rambert performing Fokine's Přízrak during their 1947-9 tour, and, in 1962, Margot Fonteyn performing as the Young Girl while touring with an ensemble of 8 dancers from the Royal Ballet. Fonteyn was personally coached in this role by Karsavina.

Le Coq d'or

The ballet Le Coq d'or (The Golden Cockerel) was originally staged in 1914 by Michel Fokine for Serge Diaghilev's Ballet Russe. This work was an opera-ballet, a danced interpretation of the Rimsky-Korsakov epic opera of the same name, with the dancers accompanied by a chorus and solo singers. In 1937, Fokine revised the work for the Ballet Russe company of Colonel W de Basil, creating a single-act ballet in three scenes which premiered at Covent Garden on 23 September 1937. For this straight-dance version, the Rimsky-Korsakov score was adapted and arranged by Nicolas Tcherepnin, and Fokine condensed the original opera libretto, which Vladimir Bielsky had adapted from a Pushkin poem. Natalia Gontcharova based her neo-primitive set and costume designs on those she had made for the 1914 version, recreating the original curtain and modifying other elements to produce a brilliantly colourful tableau. Her costume for the Cockerel, using real gold thread, was introduced in the 1937 production, the 1914 version having used a prop to represent this character.

Příběh o Le Coq d'or concerns the fate of the lazy King Dodon when he renegs on his promise to reward an astrologer with anything he desires in exchange for the gift of a magical golden cockerel. Dodon is seduced by the beautiful Queen of Shemakhan, against whom he has been waging war, and brings her home as his bride. When the astrologer claims the Queen as his reward, the King kills him in a fit of rage and is, in turn, killed by the cockerel. Despite the surface naivety and humour, the story has strong undercurrents of both sensuality and satire. There is an emphasis in the 1937 version on the contrast between fantasy and reality, with the Astrologer reminding the audience at the end that, apart from himself and the Queen, all was illusion. The Golden Cockerel and the Queen are the only roles danced on pointe. Both are technically demanding, and provide strong balletic highlights amid the mime and burlesque elements.


Podívejte se na video: ДАФНИС и ХЛОЯ, Греция, 1931, Орестис Ласкос.